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Por Nahuel Sanchez Tolosa¹  Sin lugar a dudas, desde el contexto actual del arte contemporáneo, parte de nuestro trabajo es imaginar y llevar adelante prácticas sensibles más allá de la producción de objetos aislados. Las prácticas artísticas, según el Manual de Buenas Prácticas² para las Artes Visuales, implican un ejercicio creativo individual, colectivo o colaborativo que genera obra, conocimiento, investigación, entre otras. Esta breve definición proporciona cierta claridad para interpretar y analizar todo lo que se está haciendo y lo que estamos observando en las diversas institucionalidades vinculadas al arte contemporáneo, abarcando todos los lenguajes que lo componen.  En este sentido, consideramos que expresar, proponer o esbozar ideas sobre las prácticas artísticas de las cuales formamos parte, es un acto político. Detenernos a reflexionar sobre esto, en un mundo complejo y cambiante, implica un gesto de autocuidado al reconocer que nuestras prácticas no están desvinculadas de los acontecimientos sociales, culturales, políticos, ambientales y económicos. Sin duda, estas prácticas se ven afectadas, pero también poseen la capacidad de afectar a la comunidad en la que se erigen.  Entonces, ¿por qué hablar de prácticas artísticas?  Desde nuestra perspectiva, las prácticas artísticas no reducen el hecho artístico únicamente al acto creativo; por el contrario, ingresan a un flujo simbólico donde dialogan y tensionan con otros discursos. Estas prácticas ocurren en un contexto específico e involucran a diversas subjetividades, tanto aquellas que se son parte como aquellas que son ajenas al ámbito, pero que contribuyen a la definición de sentidos que circularán en torno a lo observado, apreciado, experimentado, etc. Las prácticas artísticas se conciben como un acto compartido, implican necesariamente el trabajo con otra persona; al menos en algún momento del proceso creativo, alguien más que uno mismo interviene en lo que estoy expresando, en aquello que estoy construyendo.  Por eso, consideramos que las prácticas artísticas son colectivas. Aunque el arte no sea ajeno a un sistema mediado por el mercado y por los gestos de la individualidad, todo lo que hacemos implica, en mayor o menor medida, colaborar con otras personas. Por lo tanto, repensar aquello de lo que somos parte nos introduce en un ejercicio de auto-reflexividad en pos de aportar y complejizar la escena artística que construimos a diario. Establecer dinámicas de escritura, lectura y conversación acerca de nuestro trabajo permitirá la creación de entornos laborales saludables y cooperativos, configurando así propuestas de incidencia en las comunidades específicas donde se desarrollan las prácticas artísticas. ¿Es posible imaginar otros formatos, espacios y movimientos para nuestras prácticas artísticas?  Ante este interrogante podemos decir que sí: estamos asistiendo a una agitación cultural que propone otras maneras, otras poéticas, otras relaciones. Los escenarios con los que convivimos desde estas latitudes nos indican que las prácticas artísticas poseen y desarrollan un complejo entramado de adaptabilidad a las circunstancias, condiciones y recursos con los que cuentan para el desarrollo creativo. En consecuencia, identificamos al menos tres variables desde donde analizar y reflexionar acerca de lo que está sucediendo con nuestras prácticas artísticas actualmente en nuestro contexto más inmediato. En primer lugar, en términos de formatos, encontramos un gran desarrollo de ferias, festivales y exhibiciones duracionales que aparecen como nuevas maneras de mostrar, compartir, intercambiar y disfrutar de la producción sensible. Estos formatos, han ido ganando terreno en las diferentes escenas de la región, promoviendo estrategias de autogestión, reciprocidad, transacción, divulgación, difusión, intercambio y sociabilidad con audiencias cada vez más heterogéneas. Representan otras formas de democratización de las prácticas artísticas al ofrecer formatos más accesibles, cercanos y afectivos en comparación con aquellos más canónicos e institucionalmente legitimidados, que por diversos motivos construyen perfiles de espectadores más acotados o específicos. En segundo lugar, surgen los espacios que favorecen la realización y vitalidad de estos formatos, al poner a disposición recursos espaciales, materiales y tecnológicos. Se trata de aquellos que configuran dinámicas de trabajo que habilitan el ejercicio activo de prácticas artísticas. Aparecen aquí los laboratorios, las galerías expandidas, las plataformas virtuales, entre otros, en tanto espacios analógicos y digitales donde suceden una gran multiplicidad de hechos artísticos. Respecto a esto, podemos entenderlos como lugares dotados de recursos humanos, técnicos y tecnológicos mediados por metodologías y herramientas que tienen como objetivo principal la experimentación, el intercambio, el aprendizaje colectivo y el desarrollo colaborativo de proyectos, dinámicas, redes, etc. Las poéticas que emergen a partir de estas nuevas espacialidades se acercan mucho más a las sociedades y sus problemáticas, proponiendo espacios de diálogo, discusión y encuentro entre agentes del arte y la comunidad. En tercer y último lugar, encontramos movimientos que pueden adquirir nuestras producciones y prácticas. Aquí surge la idea de desplazamiento y la disolución de la frontera geográfica como acciones inherentemente vinculadas a las prácticas artísticas contemporáneas. En relación a esto, observamos el incremento de estrategias y modalidades para la producción y circulación más allá de la escena que habitamos. Desde la pandemia en adelante, asistimos a un tecno-paisaje que nos permitió interactuar con diversos actores del ámbito artístico, trascendiendo los límites topográficos establecidos. La comunicación remota potenció el ejercicio y la activación de proyectos colaborativos que no implicaron necesariamente estar en un lugar fijo, diluyendo así la idea de frontera que, en muchas ocasiones, era un límite en el alcance de la producción artística. Estas operaciones y nuevas articulaciones de movimiento dieron lugar a prácticas artísticas nómadas e intermitentes que se expanden más allá del territorio de origen. Ponerle algunas palabras a nuestro trabajo artístico implica movilizar imaginarios y opiniones, pero también constituye un ejercicio necesario para promover la escritura como un acto político y como la evidencia de nuestro hacer. Es fundamental, entonces, que podamos dialogar y escribir sobre lo que estamos haciendo, de aquello que estamos atravesando y configurando en la escena contemporánea. Conocer nos permite valorar y valorar nos permite proteger y defender la cultura ante el inminente desmoronamiento del campo cultural en los tiempos que nos toca habitar. ¹ Nahuel Sanchez Tolosa es Artista Visual, Gestor Cultural y Profesor de Artes Visuales en diferentes niveles educativos. Profesor Superior en Artes Visuales, Licenciado en

Por Flor Gauna¹  Ese sábado, Guillermo se levanta más temprano de lo normal a pesar de haber dormido poco. Estuvo embalando un puñado de pinturas del último año después de debatirse largamente qué selección hacer:  primero elige las que más le gustan a él aunque termina separando aquellas que están en mejor estado, además de la única que había podido enmarcar con el presupuesto disponible. En todo ese proceso, desde que le confirmaron su participación en la feria hasta esa mañana, nunca evalúa de cuál pieza estaba dispuesto a desprenderse, ni por cuánto, mucho menos si alguna era susceptible de ser adquirida, valorada o al menos admirada por un tercero.  Yo soy con otro y en el otro, sostiene Emmanuel Lévinas² en su Ética de la alteridad (o el neologismo de moda: LA OTREDAD).  Ése otro me complementa y me hace ser YO.  ¿Acaso no es esa la relación fundamental en el arte contemporáneo? ¿en el arte en general?.  Y continua Lévinas: esa complementariedad que es el otro, implica una diferencia entre nosotros³,  abre así la ventana al infinito de posibilidades que son todas las miradas, percepciones e historias posibles de aquellos -que se someten a la obra,  en este caso – versus la idea de totalidad, que implica un elemento (o un ser), completo, autosuficiente, inmutable e impermeable a todo. Lévinas desarrolló una profunda reflexión sobre la ética de la alteridad poniendo a la relación e incluso responsabilidad hacia el otro en el centro de la escena,  y en esto – debo decir- hay mucho arte.  Guillermo mete como puede los sobres caseros de distintos tamaños en una caja  junto con el cuadro, y se toma el bondi rumbo al predio de la feria. Durante los 40 minutos de recorrido piensa en pendientes, en la guita, en la facu, tanto que le sorprende encontrarse con un montón de otros y otras en el Centro Cultural, de repente un escudriño ajeno que no había considerado se hace patente. Con bastante incomodidad, el artista cuelga rudimentariamente sus piezas en el espacio asignado y, a medida que quedan en su ubicación final y sus pares van con paso apresurado para acá y para allá arrastrando sus propias creaciones, algo pasa: las piezas de Guillermo se desprenden de sus brazos, de su refugio, de su hábitat cómodo y resguardado y pasan a ser del resto, de todos, menos de él.  Y es que mientras más procuramos desentrañar la definición de ese otro, más lo desotramos, buscando definiciones y percepciones que son de MI mundo y cosmovisión y no de la ajena. Allí la particularidad del arte: artista y observador/visitante/consumidor hacen las veces y en simultáneo de  intérprete en sus dos acepciones y se abre un espacio único que ambos comparten, en el que todas las historias, intenciones e interpretaciones son posibles. La empecinada definición del otro lo hace débil y le quita la posibilidad de ser infinito.  El arte,  por su parte,  se la conserva y le da así a ese extraño la capacidad de ser libre.   El arte es hospitalidad. La hospitalidad es la cualidad de acoger y agasajar con amabilidad y generosidad a los invitados o a los extraños. “Hospitalidad” se traduce del griego filoxenia, que literalmente significa “amor a los extraños”. Nos aporta con gentileza Wikipedia. Curiosamente la palabra comparte raíz con HOSTILIDAD – aquí vale una advertencia para quienes conformamos el mundo y las lógicas del arte: ojo con la frontera entre hospitalidad y hostilidad que muchas veces se nos hace un tanto difusa,  la dislexia no es excusa-. La hostilidad es la manifestación de la desotración, el empecinamiento por buscar que el otro deje de ser ese y sea más como yo. La imposibilidad de entender que la definición y el valor de la alteridad es la diferencia.  El arte, presenta aquí una alternativa: la creatividad dispuesta a esos otros, propone una conversación y se constituye naturalmente hospitalidad en sí misma. Ese convite al intercambio es para toda persona que quiera participar del juego y puede derivar de manera válida en el tema que sea, las sensaciones que surjan, cualquier deseo,  impulso, reacción es válida frente a la invitación.  Otra curiosidad etimológica- prometo que es la última-  es que HUÉSPED, otra palabra de la misma familia, se refiere tanto a quien acoge como a quien es acogido. Huésped es el aloja y huésped es el extraño que visita. Y esa también es la dinámica del arte, en el que quienes están creando son a la vez habitados y definidos en la mirada de aquellas otras personas que mientras tanto viven, interrogan, interpretan esa obra.  Guillermo observa la escena como un extraño y casi no reconoce esos objetos propios que hasta hace unos minutos cargaba y acomodaba. Cada pieza crece y se transmuta ante la mirada ajena y él siente que se transforma y se hace más grande con ellas.  En el arte el OTRO es la pieza  fundamental.  Es enorme, es bienvenido, reconocido como constructor, como parte de la obra, como un valor en su diferencia.  En el arte se recibe al extraño, al invitado. La cultura es hospitalidad, es afecto, es ser huéspedes unos de otros, allí se disfruta de una conversación entre divergentes y se entiende el valor vital de lo que ello significa. Más cultura, más arte, más otrxs.  ¹ Flor Gauna es Gestora Cultural y docente. Dirige el espacio 220 Cultura Contemporánea y es socia fundadora de Capital Creativo, estudio de Gestión Cultural. Es parte del equipo de Instituto Cultura y colabora en la gestión y producción de múltiples proyectos culturales independientes y como asesora de políticas culturales de organismos públicos y privados. Licenciada en Comunicación Institucional y Maestranda en dirección de negocios. ² Emmanuel Lévinas (Kaunas, 12 de enero de 1906-París, 25 de diciembre de 1995) fue un filósofo y escritor lituano de origen judío. Desarrolló su trabajo en Francia e Italia, con breves estancias intelectuales en Austria. Consagró además su vida y su obra a la reconstrucción del pensamiento ético después